Obra de trnasvanguardia alicantina. Obra de Ramón Palmeral. 2015. Óleo sobre cartón.
Minicuadro.
Una neuva realidad. Coleccionistas despertar.
Página de pintura y artes. Artista plástico alicantino de vanguardia.Pintor nacido en Piedrabuena. Arte en Alicante. Arte Contemporáneo. Interiorismo, decoración.Videoartista. Fotógrafo. Venta de obras de este autor. Página de interés para diseñadores y coleccionistas. Mas que pintor me considero investigador plástico Contacto: ramon.palmeral@gmail.com. La mayor sadisfacción que tengo al pintar es que después de muerto alguien mirará mis cuadros.
viernes, 27 de noviembre de 2015
Bosque submarino. Trasvanguardia o parosismo de masas. De Palmeral. No estoy en la Galería Kreisler
Dos obras de Palmeral. Transvanguardia. Óleos sobre cartón.
Escribió Leo Steinberg nacido en Moscú en 1920 y se formó en Artes en Londres y Nueva York.
TEXTO
El arte contemporáneo y la incomodidad del público
Traducción: Silvina Cucchi y Maximiliano Papandrea:
Cuando una obra nueva, aparentemente incomprensible, entra en
escena, hay siempre un crítico perspicaz que la saluda como una “nueva
realidad”, o un coleccionista que ve en ella la oportunidad de una
inversión. Permítanme hablar en cambio de aquellos que no la comprenden.
Enfrentados a una obra de arte nueva, es posible que se sientan
excluidos de algo de lo que se creían parte y experimenten una sensación
de frustración o privación. Fue, otra vez, un pintor quien lo expresó
con más claridad. Cuando en 1908 Georges Braque vio por primera vez Las señoritas de Avignon,
dijo: “Es como si tuviéramos que cambiar nuestra dieta habitual por una
de estopa y parafina”. Lo importante aquí es “nuestra dieta habitual”.
No tendría ningún sentido decirle a alguien: “Si no te gusta la pintura
moderna, ¿para qué preocuparte? Olvídala”. Para muchos, un giro
incomprensible en el arte, una novedad que realmente desconcierta o
perturba, es un cambio drástico, o mejor, una especie de reducción
drástica en la ración diaria de la que han pasado a depender, como
sucede durante una marcha forzada, o en prisión. Y mientras haya gente
que reacciona así frente al arte, no tiene demasiado sentido insistir en
que también existe cierta clase de snobs que simulan otro tipo de reacción para ocultar su indiferencia real.
Sé que son muchos los que experimentan una preocupación genuina
frente a los cambios que parecen afectar el valor del arte y, por lo
tanto, lo que llamo “la incomodidad del público” adquiere cierta
dignidad. Hay un sentimiento de pérdida, de exilio repentino, de algo
que se nos niega a sabiendas; la sensación, a veces, de que la cultura o
la experiencia que hemos acumulado se devalúa sin remedio, librándonos a
un estado de desposesión espiritual, una experiencia que puede golpear
al artista con más dureza que al amateur. Esta sensación de
pérdida o confusión se describe muy a menudo como un simple fracaso en
la apreciación estética o una incapacidad para percibir los valores
positivos de una experiencia novedosa. Suponemos que, tarde o temprano,
quienes han pasado por esa experiencia –si tienen la capacidad–
comprenderán o se acostumbrarán. Pero no hay dignidad ni contenido
positivo en su resistencia frente a lo nuevo.
LEO STEINBER Fue profesor en las universidades de Nueva York y
Pensilvania, y Meyer Schapiro Chair en la Universidad de Columbia. Entre
sus libros publicados se destacan Other Criteria. Confrontations with Twentieth-Century Art (Oxford University Press, 1972), de donde se ha extraído este ensayo (reproducido con autorización expresa del autor); Michelangelo's Last Paintings (Oxford University Press, 1975); The Sexuality of Christ in Renaissance Art and in Modern Oblivion (University of Chicago Press, 1983); Encounters with Rauschenberg (University of Chicago Press, 1999) y Leonardo's Incessant Last Supper (Zone, 2001).
domingo, 22 de noviembre de 2015
Palmeral en la tertulia de los jueves, sobre el pintor veneciano Bellini
Si además tuvo una vida longeva, pues según Vasari
(al que no hay que darle mucho crédito, pues le gustaba fabular) vivió hasta
los noventa años y gozó de fama y dinero, hasta ser el pintor de todos los
Dux que presidieron la Republica
Veneciana mientras vivió, podemos deducir que fue un triunfador en todos
los sentidos, hasta el punto de entusiasmar con su pintura al sultán de Constantinopla,
Mehmet I, quien le requirió para que
trabajara para él; sin embargo le dieron gato por liebre, pues él no quiso
salir de Venecia y en su lugar su hermano Gentile, le suplantó ante el sultán.
Como todos los pintores de su tiempo, comenzó
trabajando para la Iglesia en retablos y capillas, luego como retratista para
los comerciantes burgueses, alternando con escenas campestres y mitológicas, y
siempre retratando a los Dux de la Serenísima.
De todo eso se habló largo y sentados, en la
TERTULIA DE LO JUEVES de hoy en nuestro
CENTRO DE ARTE, en la que ha intervenido los “tres tenores”, y PALMERAL con sus
pinceladas historicistas y ELENA SAINZ, como experta metafísica del sentido del Arte. Y por supuesto y como es
habitual, los apostilladores que suelen poner ciertos puntos a las “ies”, que
enriquecen las tertulias con el fuego
cruzado de sus apostillas.
Para el jueves 26 de noviembre, se acordó
hablar de la vida y obra de PIERRE BONNARD, pintor, ilustrador y
litógrafo francés.
Carlos Bermejo
Comentarista de la AAA
Alicante, 19 de noviembre de 2015
sábado, 21 de noviembre de 2015
Inmaculada Company expone en el Ateneo de Alicante.
Inmaculada con Palmeral, en el Ateneo de Alicante |
Inmaculada Company expone en el Ateneo
Científico, Literario y Artístico de Alicante, patrocinada por la Diputación de
Alicante, titulada “A espátula”. Del 11 de noviembre al 10 de diciembre de
2015. Se ha editado un estupendo y documentado catálogo de la exposición y de
su proyección artística.
Ayer tarde, 20 de noviembre, me acerqué al Ateneo a ver la obra de
Inmaculada, y la primera impresión que recibí es que los ojos se me llenaron de
colores y de luz, pudiendo comprobar que siguiendo fiel a su estilo y a la
técnica de la espátula, logra efectos y resultados que solamente se consiguen con muchos
años de oficio, en el que lleva más de veinte años investigando, arriesgando, y
obteniendo magníficos resultados, efectos de luces, colores y contraluces.
Hay paisajes como el “Puig Campana” que me
recuerda a las obras del maestro alicantino Santana, pero que Inmaculada lo
lleva más allá, con más fuerza y expresividad. Otros cuadros como “Gastell de
Guadalest” (2 obras) tiene el poder de
la impronta y de la resolución a la
primera. Porque la espátula como la acuarela tienen la dificultad que han de ser
limpias y no se puede “enguarrinar” o ensuciar, porque se nos pondrían grises.
Por
ello la primera impresión, la decisión del impacto es crucial en Inmaculada que
ha conseguido conjugar magistralmente los colores limpios y para demostrarlo nos trae
dos cuadros de gran formato de 100 X 100, lo que nos indica que estamos ante una
pintora consumada y valiente. Otra obra de gran formato que me ha sorprendido
es el de la “Cueva de Nerja”, donde con una combinación de azules, blancos y
acertados puntos de amarillo consigue que veamos por medio de la abstracción
las estalactitas y las estalagmitas de la cueva, de un mundo subterráneo de gran belleza y
de difícil ejecución.
Para mí, la obra que asombra y quizás culmine esta exposición es su cuadro “Río Ambroz” donde un árbol en primer plano de hojas marchitas por el cercanía del otoño, resiste a las envestidas de un río bravo. En la ejecución de esta obra podemos observar que se ha debido ejecutar por etapas, esperando el secado de los colores aplicados en primer lugar, que son la penumbra de un puente de arco romano, donde aprecio una atmósfera de humedad por los azules, rojizos y amarillos en una amplia gama, nos trae el recuerdo de los paises alcoyanos.
Para mí, la obra que asombra y quizás culmine esta exposición es su cuadro “Río Ambroz” donde un árbol en primer plano de hojas marchitas por el cercanía del otoño, resiste a las envestidas de un río bravo. En la ejecución de esta obra podemos observar que se ha debido ejecutar por etapas, esperando el secado de los colores aplicados en primer lugar, que son la penumbra de un puente de arco romano, donde aprecio una atmósfera de humedad por los azules, rojizos y amarillos en una amplia gama, nos trae el recuerdo de los paises alcoyanos.
La técnica de la espátula es compleja, pero
Inmaculada conocedora del batirse con ella, lo hace que parece fácil, y a uno le
entran ganas de imitarla, pero uno sabe que no es posible, porque el estilo
personal es algo que se lleva en los genes. Y ella hace una obra "companyana" ´única e inimitable.
Los
temas son variados: paisajes, marinas, urbanos, estanques y naturaleza llevadas
al extremo de la abstracción, sin dejar de mano la comprensión de los motivos.
Temas en la mayoría alicantinos, porque hemos de recordar que Inmaculada nació
en Alcoy, tierra de grandes pintores.
En definitiva, Inmaculada, creo que esta muestra es muy digan y tiene
gran mérito donde veo la mano de una pintora con gran dominio de la espátula,
que domina un estilo personal que
solamente el oficio de muchos años puede conseguir.
Mis felicitaciones.
PALMERAL
Alicante, 21 de noviembre de 2015
sábado, 14 de noviembre de 2015
Prácticas de hiperrrealismo de Ramón Palmeral. Bote de colonia 1995
El objeto es un tema secundario. Hiperrrealismo
(Bote de colonia obra de Ramón Fernández, óleo sobre lienzo de 1995). intentos de hiperrealismo.
El hiperrrealismo es algo más que una fotografia, los colores deben de vibrar. Colini Massimo Dutti
Me costó años darme cuenta de lo mismo que se habían dado cuenta, un siglo atrás, los impresionistas, que lo importante no es el tema, ni copiar el tema tal como es en la realidad, o hacer un calco de la realidad u objeto real, sino interpretar el objeto desde el punto de vista del autor, es decir, que el punto de vista del autor tome relevancia, es un nuevo renacimiento de la pintura, donde el hombre interior toma protagonismo. Buscar lo que vive entre el objeto por representar y el punto de vista creativo del autor. Monet ordenó perfectamente sus prioridades cuando dijo: “El objeto tiene para mí importancia secundaria; quiero representar lo que vive entre el objeto y yo”. O lo que es lo mismo pintar lo que se siente.
Porque lo importante en la figuración moderna, no es copiar el objeto o representarlo al modo los hiperrealistas, fotografías copiadas y otros sistemas, sino que entiendo que hay que reinterpretar una realidad nueva, por ello el cuadro del bote de colonia no se terminó, en la idea de que se vieran varias fases del trabajo de pintura, dejando al bote sin terminar, como queriendo salir del cuadro o tomando vida dentro del cuadro:
Bote de colonia de la marca Massimo Dutti.
Como podemos apreciar si comparamos los dos cuadros, el de la parte superior es una copia de la realidad, sin más relevancia; sin embargo en el cuadro de abajo aporta una firguración modernista, de más relevancia plástica.
Nueva York espera a este artista. Obras de pequeño formato.
jueves, 12 de noviembre de 2015
La tertulia de los jueves en Centro de Arte sobre el pintor Jean Simeón Chardin
Cuando vemos
con espanto la injusticia que el azar que rige la vida, cometió con artista
tales como van Gogh o Modigliani, que vivieron poco, pasaron hambre y hoy sus
obras se venden en las subastas por millones, recordamos y traemos a colación,
la popular e irónica frase de que “unos
nacen con estrella y otros nacen estrellados”. Y uno de esos nacidos con
estrella lo fue en la historia de la pintura, el francés JEAN SIMEÓN CHARDIN:
rico de nacimiento (su padre, ebanista, era algo así como el rey de los billares); a
los veintinueve años fue descubierto por dos miembros de la Real Academia de Pintura y
Escultura, en una de las exposiciones de juventud de las que se celebraban al
aire libre en la plaza de Dauphine en Paris, y a la vista de sus dos famosos
bodegones “La raya” y “El buffet”, fue propuesto como académico, aunque lo
fuera en el nivel más bajo de la jerarquía de los géneros, -como lo era el tema
de los animales y frutas-, que regía en la Academia Francesa, que estaba
precedido por: históricos, retratos, paisajes, marinas, flores y frutos.
Sin embargo,
sus bodegones alcanzaron tal prestigio, que saltaron de lugar en la preferencia
de la burguesía y se los quitaban de las manos. Pero quería demostrar que era
algo más que eso, y en una segunda época se especializó en los temas intimistas de
las escenas familiares con madres y niños, al estilo de holandeses y flamencos,
creando en ellos una atmosfera de realidad y encanto, que subyugaba a los
burgueses que le compraban sin rechistar
a los altos precios que él imponía. Luego
y ya en una tercera y última época, se dedicó a retrato, con preferencia en la
técnica del pastel, e igualmente triunfó artística y económicamente, hasta el
final de sus ochenta años de vida exitosa y longeva para aquellos años, tras
haber disfrutado del amor de dos mujeres, de nombre Margarita: la primera se
deshojó a los pocos años de casados, y la segunda, bastantes años más joven que
él le sobrevivió. Y el colmo de los colmos del éxito en vida para
un pintor: el rey le concedió vivienda en las Galerías del Louvre, donde acabarían
colgados, tras su muerte, mucho de sus cuadros.
Lo dicho, “unos
nacen con estrella y…”; Chardin, fue y sigue siendo una de las más rutilantes
estrellas de la pintura francesa del rococó tardío.
Con todos
esos mimbres la sesión de hoy de “LA TERTULIA DE LOS JUEVES”, en nuestro CENTRO
DE ARTE, ha transcurrido en paz y armonía, y tras las siempre excelentes y
documentadas introducciones al tema, de nuestros compañeros MARÍA ROSA AZORÍN,
PEDRO ORTIZ y RAMÓN RODRÍGUEZ, han
intervenido RAMÓN PALMERAL, para encuadrar
la vida del pintor en su contexto histórico y
ELENA SAINZ, en el aspecto existencial y metafísico que dimana de la
pintura del Chardin. Un lujo de apostillantes que enriquecen con su cultura nuestras exitosas tertulias.
Y para
terminar, se acordó que en la tertulia
del próximo jueves día 19 de noviembre, se trataría la vida y la obra del renacentista
italiano GIOVANNI BELLINI.
Carlos Bermejo
Comentarista de la AAA
Alicante, 12 de noviembre de 2015
jueves, 5 de noviembre de 2015
La miliciana y el egipcio. Una obra de Palmeral
Esta obra es un dóptico de gran formato ded 180 X 90 cm. que representa a dos figura, un hombre y una mujes, que he titulado por el gorrito de la mujer "La miliciana" y al hombre con ojos de higos verdes "El egipcio", por la forma del pelo.
Es un óleo cobre texncias mixtas de la superficie de la textrua que está montada sobre tablex. Es un cuadro con línas de mi estilo "intelectuialismo", Los cuales están marcados con los tomates, simpolos de mis caudros de esa época.
Ramón Palmeral
Es un óleo cobre texncias mixtas de la superficie de la textrua que está montada sobre tablex. Es un cuadro con línas de mi estilo "intelectuialismo", Los cuales están marcados con los tomates, simpolos de mis caudros de esa época.
Ramón Palmeral
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